DENTRO DEL CUBO BLANCO son cuatro ensayos («Notas sobre el espacio expositivo», «La mirada del espectador», «El contexto como contenido» y «La Galería como gesto») que Brian O´Doherty publicó entre 1976 y 1981 en la revista Artforum.
Los textos fueron recogidos en el 86 bajo el título Inside the White Cube y ahora el Cendeac los ha publicado en español en su colección de Materiales de Museología.
O’Doherty (AKA Patrick Ireland), analizó las premisas en las que se basaba el contexto expositivo de la modernidad: el museo y la galería de arte. Desenmascarando la sofisticada relación que mantiene la economía, la realidad social y la estética con este espacio aparentemente neutro, sin el cual la historia del arte moderno hubiese resultado imposible.
¿QUÉ ES ARTE CONTEMPORÁNEO HOY? de Alexander Alberro con textos de Terry Smith, Juliane Rebentisch, Andrea Giunta y Pamela Lee.
Es una publicación editada tras un simposio internacional sobre el significado actual del arte contemporáneo organizado por la Cátedra Jorge Oteiza en 2010.
A pesar de que el arte contemporáneo parece demasiado plural como para ser historiado o definido, los organizadores del simposio y editores del libro han considerado un conjunto de estructuras y situaciones sociales, políticas y económicas como “el contexto del arte contemporáneo”. A partir de ahí los autores intentan abordar cuestiones como qué significa hoy “arte contemporáneo”, si se trata de un nuevo tipo de producción artística o de un nuevo tipo de actitud por parte del espectador.
Según el editor, Alexander Alberro, la idea de que el arte contemporáneo pueda ser objeto del conocimiento histórico es contraria a una aproximación intuitiva. Los historiadores del arte parecen mal equipados para esta tarea si entendemos que el arte contemporáneo es por definición emergente, y no histórico todavía. Tal vez el análisis deba dejarse en manos de los críticos, comisarios y artistas, pues son quienes cuentan con licencia para especular sobre una actividad que elude toda definición.
En el libro también se trata de la necesidad de nuevas formas de mecenazgo, de exposición y distribución, a la hora de abordar la producción de arte que se hace a día de hoy.
“El arte representa un contrapoder y siempre será ‘comprometido’ en su tarea de no dejar ningún signo intacto”.
Bourriaud suele ser lectura obligatoria en escuelas de arte y de comunicación audiovisual. Su lectura estimula la comprensión del proceso de construcción del relato “arte” y, en parte, del material audiovisual que nos rodea.
Si hace mucho tiempo aprendimos que el arte no se reduce a la pintura de caballete, ni a los espacios y lugares consagrados, y que además las tecnologías siempre interfirieron o constituyeron las obras de arte, no cabe duda de que el ultimo medio siglo la tecnología ha alterado de forma brutal el paisaje estético (PANTALLA GLOBAL).
Pero cuando la posproducción se convierte en una actitud, a principios de los 90, momento en que muchos artistas abandonan soportes y lenguajes más clásicos para crear desde un lugar diferente, surgen nuevas estéticas que, con los años, producirán efectos inesperados no sólo en terrenos artísticos sino en ámbitos sociales y culturales más amplios.
A partir de la obra de Duchamp y del análisis de algunos trabajos de una selección de artistas, Bourriaud nos ayuda a comprender la estética del remix y la posibilidad de producir significado a partir de una selección y combinación de elementos ya existentes a través de collage, found footage o metraje encontrado (atendiendo a la imagen, pero también al sonido).
La noción de originalidad y autoría se desdibujan en este nuevo panorama cultural en el que los artistas post-productores o que reprograman obra existente generan protocolos de uso distintos de los modos de representación y las estructuras formales ya existentes (Wittgenstein).
El término "post producción" nombra el conjunto de procesos aplicados a todo material grabado o registrado: montaje, subtitulado, voz en off, efectos especiales, incluso de otras fuentes audiovisuales, etc. y que pertenecen a un ámbito "tercero" al no trabajar con materia prima.
El libro plantea la tarea de reescribir la modernidad. No para hacer tabla rasa o buscar prestigio en el depósito de la historia, sino para inventariar y seleccionar, para usar y "descargar archivos".
SAQUEO, de Sharon Waxman.
El arte de robar arte.
Las obras de arte antiguo de los grandes museos del mundo tienen una historia que se cuenta y otra que se oculta. Sharon Waxman ha investigado esta última: la historia de cómo fueron saqueadas de sus países de origen.
Una historia turbia de expolio, sobornos, tráfico, subastas y, en numerosas ocasiones, daño o destrucción. La autora realiza un recorrido por los principales museos occidentales (el Louvre, el British Museum, el Metropolitan de Nueva York...), y por los lugares de procedencia de las antigüedades (Egipto, Turquía, Grecia, Italia...), evocando los episodios del pasado y analizando las demandas actuales de devolución de las piezas por parte de estos países.
Sobre el dibujo recoge una serie de ensayos que reflexionan sobre las dificultades que entraña la maestría del dibujo, donde la mirada hacia el arte se confunde con la propia experiencia vital.
Berger había sido dibujante y profe de dibujo antes de dedicarse a la crítica, al ensayo, antes de escribir teatro, poesía o incluso guiones cinematográficos.
“La creación de una imagen comienza por interrogar a las apariencias y por hacer ciertas marcas. Todos los artistas descubren que dibujar cuando se trata de una actividad compulsiva, es un proceso recíproco. Dibujar no es solo medir y disponer sobre el papel, si no que también es recibir… El encuentro de éstas dos energías, su diálogo, no tiene la forma de preguntas y respuestas, se trata más bien de un diálogo feroz e inarticulado”.
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